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Portrait : Herbert Leupin, le maître de l’affiche publicitaire suisse

Le graphiste suisse Herbert Leupin a conçu de nombreuses affiches, notamment pour la promotion de produits de consommation de grandes marques. Le travail de cet affichiste a été influencé par le mouvement de la nouvelle objectivité qui a émergé dans les années 20, en Allemagne. Ce courant artistique « se caractérise par un réalisme froid qui peut atteindre à une vision “magique” »*. Le style d’Herbert Leupin a fortement évolué au fil de sa carrière. Celui-ci a basculé du réalisme magique vers l’abstraction.

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Qui est Herbert Leupin ?

A la fois affichiste, dessinateur, graphiste et artiste suisse, Herbert Leupin (1916-1999) a réalisé une partie de ses études dans une Ecole Professionnelle de Bâle en 1931, où il a étudié le graphisme. Le graphiste Hermann Eidenbenz reconnaît son talent pour le dessin et lui permet de travailler dans son atelier. Entre 1935 et 1936, il poursuit ses études et suit les cours du célèbre affichiste Paul Colin, en France. Puis, un an plus tard, il devient un graphiste indépendant.

A partir des années 1945, ce graphiste commence alors à utiliser de nouvelles techniques de création, à savoir : la photographie, le collage et la composition typographique. Parmi les grandes marques pour lesquelles il a réalisé des affiches, on note : Ford, Eptinger, Coca-Cola, Bata, Paper Mate, Milka et Pantene, entre autres. C’est d’ailleurs à Herbert Leupin que Milka doit sa célèbre vache violette, qui fait rêver les enfants.

Dans les années 60-70, le style d’Herbert Leupin connaît un tournant puisqu’il entame une activité d’artiste et se penche alors sur l’abstraction.

Le style Herbert Leupin : du réalisme magique au dessin ludique et coloré

Le réalisme magique

Apparu en 1925, le style du réalisme magique constitue un sous-courant de la nouvelle objectivité qui s’appuie sur une transfiguration de la réalité. Parmi les créations d’Herbert Leupin qui appartiennent à ce mouvement, on relève dans ses affiches au style hyperréaliste, des objets du quotidien surdimensionnés, exemple avec cette affiche d’Herbert Leupin.

L’art d’animer la typographie

Pour le célèbre constructeur automobile Ford, le graphiste a joué avec la typographie et la couleur dans son affiche Ford (1954). Dans l’ouvrage Graphic Designer Europe n°2 (1972), l’auteur Loïc Boyer souligne que : « l’expression spécifiquement graphique : “F.O.R.D.” […] devrait sous-entendre un sifflement après chaque lettre pour donner l’impression de la vitesse : F -pst ! 0 -pst ! R -pst ! D -pst ! ; un sifflement prolongé qui fend l’air comme “Ford”) ». Dans cette même affiche, la lecture de la marque peut être réalisée de façon horizontale et en diagonal, à la manière des jeux de mots-croisés.

Zoom sur les affiches publicitaires d’Eptinger

Herbert Leupin a réalisé une série d’affiches publicitaires pour Eptinger, une marque d’eau minérale gazéifiée. Dans ses créations, la couleur dominante correspond au bleu qui évoque l’eau, la fraîcheur ainsi que le rêve. Certains objets ou personnages représentés sont dessinés à partir de petits cercles de couleur blanche ou bleue se référant aux bulles de la boisson gazeuse, ainsi qu’à l’idée de légèreté. Ce dernier aspect est d’autant plus renforcé par l’utilisation de formes simples dans la conception de ses dessins.

Découvrez les travaux d’Herbert Leupin sur Pinterest !

Sources : Indexgrafik.fr ; Larousse.fr ; *Myswitzerland.com ;

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Portrait : Alexander Girard, le caméléon du design

Alexander Girard est un designer reconnu pour ses créations à motifs colorés, influencées par le mouvement pop art qui a émergé au milieu des années 1950. Ses œuvres respirent la gaieté grâce à un travail dédié à la couleur.

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Qui est Alexander Girard ?

Tel un caméléon, Alexander Girard (1907-1993) est un designer américain, d’origine italienne, qui a su adapter son art à travers plusieurs domaines, à savoir : le textile, le graphisme, la typographie, l’architecture d’intérieur et le mobilier. Il a travaillé en 1952 auprès d’Herman Miller (célèbre fabricant de mobilier).

Au cours de sa carrière, Girard s’est vu confier plusieurs design globaux, dont celui de la compagnie aérienne Braniff International Airways, dans les années 60. Ce designer a conçu la typographie de la marque, un jeu de cartes et du mobilier pour les salons de la compagnie.

Parmi ses créations, le typographe a réalisé entre autres : Girard Script, Girard Sansusie et Girard Slab. Son travail typographique est aujourd’hui édité par le studio House Industries, qui a par ailleurs illustré en  vidéo le style de cet artiste.

Passionné par ses voyages, Alexander Girard a collectionné plus de 100 000 objets d’art populaire, dont des étoffes, issus des quatre coins du monde : Mexique, Inde, Egypte… Tous ces objets cosmopolites, qui sont de nos jours exposés au Musée International d’Art Folklorique de Santa Fe, ont été une véritable source d’inspiration pour ce designer.

Le style Alexander Girard : la couleur ou le pigment du design

Les univers ludiques et colorés imaginés par Alexander Girard sont constitués à partir de formes abstraites et géométriques. Les Wooden Dolls, les fameuses poupées décoratives en bois du designer – aussi considérées comme des jouets – évoquent un monde folklorique très vif et expressif, notamment grâce à l’utilisation des couleurs issues du cercle chromatique. Insolites, les œuvres du designer Alexander Girard inspirent une certaine fraîcheur et expressivité joyeuse.

Alexander Girard : du textile à la décoration d’intérieur

De 1920 à 1970, le designer a illuminé de nombreux intérieurs pour des particuliers ou des entreprises, en les revêtant de motifs textiles colorés. Avec Herman Miller, il a ainsi conçu plus de 300 motifs. Parmi ses œuvres maîtresses auxquelles il a apposé sa touche personnelle, on note :

  • La Maison de l’industriel Irwin Miller à Colombus, en Indiana, réalisation menée en collaboration avec l’architecte Eero Saarinen (1953)
  • La Fonda del Sol, un restaurant new-yorkais, pour lequel il a créé une fresque typographique murale (1960)
  • L’Etoile, un restaurant situé à New-York (1966)

Alexander Girard est parvenu à inviter la mode au cœur de la maison, notamment en imaginant des collections saisonnières de ses créations textiles, qui influencent des marques de textiles aujourd’hui comme par exemple Mademoiselle Dimanche.

Sources : Connaissancedesarts.com ; Intramuros.fr ; *Maison.com Milkdecoration.com ; Saintlouis-tourisme.fr ;

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Portrait : Josef Müller-Brockmann, l’harmonie de la composition graphique

Influencé par le mouvement Bauhaus et le constructivisme, Josef Müller-Brockmann est un graphiste suisse qui a participé au développement du style typographique international, appelé aussi style suisse. Ce courant du design graphique est axé sur l’objectivité de l’information et la lisibilité. Il se caractérise par l’asymétrie, l’utilisation de grilles et de polices sans-serif (Akzidene Grotesk, Univers et Helvetica), ainsi que par l’usage de la photographie en noir et blanc pour la création d’affiches.

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Qui est Josef Müller-Brockmann ?

Josef Müller-Brockmann (1914-1996) a étudié le design graphique et l’architecture à l’Ecole des Arts et Métiers de Zurich. C’est en tant qu’illustrateur et designer d’exposition qu’il a débuté sa carrière. En 1950, il réalise sa toute première affiche pour la Tonhalle de Zurich. Sa démarche de création repose principalement sur le photomontage et la photographie en noir et blanc inspirée par le photographe hongrois Moholy-Nagy. En 1958, il devient le co-fondateur de la revue New Graphic Design, qui traite de l’histoire de la typographie moderne. Puis, en 1967, il fonde son agence de publicité Müller-Brockmann & Co. Ce graphiste a travaillé sur plusieurs identités visuelles, notamment pour celles des chemins de fers suisses et la signalétique des gares.

Le style Josef Müller-Brockmann : l’art de la simplicité graphique

Müller-Brockmann a fortement été influencé par le manifeste de Jan Tschichold qui porte sur la typographie asymétrique. Les affiches conçues par Müller-Brockmann jouent sur l’association entre figures géométriques simples (lignes, rectangles, cercles…) et typographie. En 1955, le graphiste a conçu l’affiche Beethoven pour le concert du célèbre compositeur. Pour ce designer, la musique se réfère à l’abstraction. Pour créer du rythme et de l’harmonie, il a joué avec la composition graphique des éléments. Aujourd’hui, Josef Müller-Brockmann inspire encore de jeunes talents, telle que la graphiste américaine Jessica Svendsen.

Découvrez les travaux de Josef Müller-Brockmann sur Pinterest !

Josef Müller-Brockmann : de la conception à l’analyse de l’affiche

La grille de mise en page ou l’art de structurer les textes

Dans Grid Systems in Graphic Design (1968), Josef Müller-Brockmann explique que ses grilles de mises en page permettent de « créer un espace typographique » structuré. Comme il le souligne : « Dans mes créations d’affiches, de publicités, de brochures et d’expositions, la subjectivité est supprimée au profit d’une grille géométrique qui détermine l’arrangement des mots et des images. »*

Conçu comme un système rationnel à partir de colonnes et de lignes, le designer développe dans son ouvrage les règles strictes, voire mathématiques, quant à la composition d’une page. Aujourd’hui, le concept de grille typographique issu du design print connaît une évolution à travers le digital. Cette transposition vers le numérique révèle toute la richesse du travail de ce designer, ainsi que son influence.

Les affiches ou l’art de les décrypter

Dans Histoire de l’affiche (1971), Josef Müller-Brockmann identifie quatre types d’affiches, à savoir :

  • Informative : transmet un message le plus objectif possible
  • Illustrative : représente des situations à partir du dessin, de l’illustration ou de la photographie
  • Constructiviste : est subordonnée autour de l’ordre et de la structure de l’ensemble des éléments
  • Expérimentale : s’inscrit dans un espace culturel et une époque précise en vue d’étonner, de surprendre

Sources : MARCOTTE Ethan, Responsive Web Design (2011), p.14 ; Cnrs.fr ; Etapes.com ; *Nundesign.fr ;

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Portrait : Rolf Rappaz, du graphiste à l’artiste

Graphiste Suisse du 20ème siècle, Rolf Rappaz est notamment le cofondateur de l’Union Suisse des graphistes (1938) et membre fondateur de l’Association des graphistes créateurs (1951). Très engagé dans la communauté des créatifs de la publicité, il influença toute une génération d’artistes. Ses créations étonnent encore de par leur fraîcheur intacte.

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Qui est Rolf Rappaz ?

Né en 1914, Rolf Rappaz a suivi une formation de dessinateur-graphiste et ouvre son propre atelier à seulement 19 ans. Après avoir été graphiste indépendant de très nombreuses années – et deux ans après avoir participé à la conception du Pavillon du Tourisme à l’Exposition universelle de Bruxelles – ce n’est qu’à 46 ans qu’il rejoignit les beaux-arts. Par la suite, il mit fin à sa carrière de graphiste pour l’art libre.

Le style Rolf Rappaz : géométrie et typographie

La Swiss Graphic Design Foundation qualifie son travail d’ « idées-images figuratives ». L’artiste utilise la permutation de formes géométriques simples, des couleurs primaires et des typographies pour un rendu tantôt abstrait, tantôt figuratif. Son influence est restée dans ce que l’on appelle le style international : un art où prédominent géométrie et typographie.

Retrouvez quelques-uns de ses travaux les plus populaires sur Pinterest :

Les travaux de Rolf Rappaz

Où retrouver ses œuvres ?

En Suisse, au Rappaz Museum à Bâle. Ce musée, fondé en 2008, aurait servi d’atelier à l’artiste par le passé. Le Rappaz Museum possède une exposition permanente de ses travaux mais aussi la réplique exacte de son atelier. L’exposition retrace ses débuts de graphistes jusqu’à sa métamorphose en tant qu’artiste accompli.

Sources : Etapes.com ; Hls-dhs-dss.chSgdh.ch

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David Bowie, un génie créatif en com’ digitale

David Bowie, au-delà du chanteur que l’on connaît tous, a démontré plus d’une fois sa créativité et son habileté pour la communication.

© Affiche de l'exposition "David Bowie is", Philharmonie de Paris

© Affiche de l’exposition « David Bowie is », Philharmonie de Paris

Les univers artistiques de David Bowie, une source d’inspiration en com’

Ancien étudiant en arts, musique et design et artiste protéiforme puisant son inspiration au sein de différents arts (le pop art, Andy Wharol, le dadaïsme avec la technique cut-up), David Bowie était un communiquant né. Grâce aux différents personnages qu’il a créés, véritables alter-egos, il a démontré une capacité à se renouveler constamment. Jusque sur scène, il nous emmène dans son univers, nous raconte des histoires, donne du sens et de la profondeur à ses personnages, ne se limitant pas aux apparences. Malgré la diversité des personnages, on reconnait la marque Bowie. Outre les pochettes d’albums sulfureuses (The Man who sold the world, 1970, où il est travesti) il a su créé des icônes immédiatement identifiables (Aladdin Sane, 1973, avec le maquillage « éclair », Black Star, 2016, avec toute une symbolique derrière cette ★ d’apparence simple). Cet univers si particulier, cette grande créativité et cette capacité à donner à la musique une dimension supplémentaire, une dimension graphique, ont inspiré nombre d’artistes contemporains, graphistes, illustrateurs.

Devenu icône et égérie, les publicitaires et les grandes marques ont tout naturellement fait appel au Thin White Duke pour promouvoir leurs produits. David Bowie himself ou ses alter egos sont mis en scène dans de belles réalisations (Vittel, Vuitton…) et on ne compte plus le nombre de publicités qui utilisent comme bande son un de ses titres (Renault avec Heroes, Sony Xperia avec Sound and vision, La Poste avec Life on Mars…)

Cependant, au fur et à mesure des années il a pris du recul par rapport aux médias pour adopter une stratégie de communication calquée sur le principe du Less is more que l’on retrouve en webdesign. En 2013, lors de la sortie de son album Next Day, sa stratégie marketing est justement une non promotion : sans tambours ni trompettes, sont publiés sur son site web un nouveau single et une vidéo. C’est ainsi le contenu qui est mis en avant et non la forme comme avec le webdesign minimaliste.

Le numérique, un des plus grands alliés de la star pop

David Bowie s’est d’ailleurs très tôt intéressé à la technologie et à la diffusion via Internet. Dès 1996, il proposait un de ses titres, Telling Lies, en téléchargement. En 1998, il lançait son FAI pour donner accès à ses fans à du contenu exclusif, la possibilité de créer une adresse @bowienet et un espace personnel de 5Mo, anticipant ainsi les futurs réseaux sociaux tels que nous les connaissons aujourd’hui.

Inspiré par le dadaïsme et leurs cadavres exquis, il a utilisé un logiciel, le Verbasizer, spécialement créé pour lui par Ty Roberts, qui permet d’assembler des morceaux de phrases, titres, pour créer des paroles surréalistes et surtout qui lui permettait de stimuler sa créativité et renouveler son inspiration. Il est même allé jusqu’à prêter ses traits pour un personnage du jeu vidéo Omikron : The Nomad Soul en 1999 dont il a composé la bande son et à créer une banque en ligne en 2000.

Touche-à-tout et d’une grande curiosité, David Bowie a prouvé maintes fois ses talents et sa créativité se posant également en précurseur dans de nombreux domaines notamment celui de la communication visuelle et digitale. Comme une grande marque avec son logo et son identité, il a su créer sa propre iconographie immédiatement identifiable et sa touche personnelle qui se retrouve tout au long de sa carrière aux travers de ses personnages. Son goût pour l’innovation lui a permis de se renouveler sans cesse et d’explorer de nouveaux territoires sans pour autant perdre son identité intrinsèque : il restera pour toujours une légende, Monsieur David Bowie.

Sources : Consequenceofsound.net ; Ladn.euLeblogducommunicant2-0.com ; Lecentdeux.com ;  Lemonde.fr ; Thedrum.com ; Theguardian.comHors-série les Inrocks : David BowiePhilharmonie de Paris, Exposition « David Bowie is ».

 

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Playboy Des gels douche de tous les fantasmes…

Lancement shower gel Playboy

… après le lancement de la gamme homme en juin 2012 sur le célèbre site institutionnel Playboy Fragrances, c’est aujourd’hui au tour de la gamme femme de rejoindre la toile !
Des gels douche … play it sexy, spicy, rock ou lovely selon vos envies et qui s’annoncent comme un grand succès auprès des cibles concernées.

La dynamique team parisienne du groupe conseil en communication Pix & Associates injecte dans ce nouveau lancement produit une dose de marketing et de créativité permettant de rendre cet univers digital sexy où transpire une sensualité qui colle à la peau !

Pour le croire, il faut le voir…rendez-vous sur le site www.playboyfragrances.com

 

 

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Cristal Festival The future is now !

Pix & Associates  met à l’épreuve sa créativité lors de la 12ème édition du concours créatif international Cristal Festival en Suisse à Crans Montana.

Dans le cadre convivial de la montagne, ce Festival réunit les professionnels du monde de la communication comme les principales agences de publicité, de marketing services, interactives, les régies, les annonceurs, les producteurs, réalisateurs, médias, sociétés d’études, TV Producers… autour d’échanges riches et conviviaux.

En 10 ans, le Cristal Festival a connu une augmentation croissante des inscriptions et de sa fréquentation pour devenir le rendez-vous incontournable du monde de la communication en Europe et plus que jamais l’endroit où venir « inspirer l’air du temps » !

Les compétitions positionnées en décembre clôturent l’année créative et préfigurent les grands prix internationaux. Les « Cristal » récompensent les meilleures créations de l’année dans différents médias et sont décernés par des jurys internationaux composés d’agences et d’annonceurs.

Pour sa premiere participation, l’ambition du Groupe Pix & Associates est de valoriser et confronter sa créativité ainsi que sa technicité sur une scène internationale.

Suivez le Cristal Festival sur Facebook

 

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Keisuke Matsushima 2 Etoiles Michelin, 3 toques Gault&Millau, Chevalier dans l’ordre des Arts et des Lettres… Pix & associates accompagne ce Chef d’exception !


Né à Fukuoka au Japon en 1977, Keisuke Matsushima apprend les classiques de la cuisine française à l’école TSUJI de Tokyo, pour suivre son rêve d’enfant : celui de devenir chef !

Il ouvre son premier restaurant le Kei’s Passion à Nice, le jour de son 25ème anniversaire. 3 ans plus tard le guide Michelin lui décerne sa première étoile. Quelques temps plus tard, il ouvre son nouveau restaurant : Keisuke Matsushima. C’est ici qu’il réussit avant tout à exprimer la Méditerranée, cet environnement devenu naturel, au travers d’une cuisine savoureuse.

L’exigence de Keisuke Matsushima se retrouve à tous les niveaux de l’assiette qu’il propose. Du marché à la découpe, de la cuisson aux associations des saveurs, de la palette en bouche à l’harmonie des couleurs, du travail des textures à la combinaison des températures, de la rigueur de la carte à la gentillesse efficace du service.

Les années 2010 et 2011 sont pleines de récompense pour Keisuke. En 2010, il est nommé Ambassadeur du Saké au Japon sous le titre de « Sake-Samoraï ». Le Guide gastronomique Gault&Millau évalue le restaurant Keisuke Matsushima à 3 toques sur 5, meilleur notation sur Nice, et unique restaurant à l’être. Mais aussi, le Guide Michelin 2011 récompense le Restaurant I du Chef à Tokyo d’une étoile. Le Chef cumul donc deux Etoiles Michelin. En mars dernier, le Ministre Frédéric Mitterrand honore Kei de la distinction de Chevalier des Arts et des Lettres.

Pour finir cette année en beauté, il confie à Pix Digital la création et la mise en place de son nouveau site web : keisukematsushima.com

Ci dessous un extrait du discours Mr. Frédéric Mitterrand, Ministre de la Culture et de la Communication, lors de la remise de la distinction de Chevalier des Arts et des Lettres :

« Cher Keisuke Matsushima, (…)

L’art culinaire, sous l’égide de chefs cuisiniers de votre talent, rivalise avec l’art poétique. Le vocabulaire culinaire a souvent cette capacité unique de délier lui aussi les langues, et de donner à certains mots l’occasion de se parer de référents nouveaux, d’explorer de nouvelles combinaisons, pour mieux adoniser l’expression du goût. Votre interprétation personnelle de la gastronomie française participe de la même logique, elle qui convoque de manière si singulière les traditions culinaires du Japon et de la Méditerranée.

(…)

L’année dernière fut pour vous celle des lauriers infiniment mérités : vous êtes nommé Ambassadeur du Saké au Japon, sous le titre de « Saké- Samouraï », et le guide Gault-Millau attribue trois toques sur cinq au Keisuke Matsushima.

Cette année vous recevez une deuxième étoile, et vous voici aujourd’hui au Palais Royal – un lieu marqué lui aussi par les plus belles aventures culinaires.

Cher Keisuke Matsushima, je salue votre créativité, votre esprit de détournement des patrimoines culinaires, votre détermination aussi – autant de traits de caractère qui font de vous aujourd’hui l’un des plus grands ambassadeurs de la gastronomie française.

Au nom de la République Française, nous vous remettons les insignes de Chevalier dans l’ordre des Arts et des Lettres. »

Saluez vous aussi la créativité de Keisuke et de Pix Digital sur www.keisukematsushima.com

 

 

Restaurant Keisuke Matsushima (Nice) :
22 ter rue de france
06000 Nice
Tél. : +33 4 93 82 26 06
Pour toutes réservations

Restaurant Saison (Nice) :
17, rue Gubernatis
06000 Nice
Tél. : +33 4 93 85 69 04

Restaurant-I (Tokyo) :
Park Court Jingumae 1F, 1-4-20 Jingumae,
Shibuya-ku, 150-0001 Tokyo
Tél. : +81-3-5772-2091

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